Ich freue mich, Ihnen mitteilen zu können, dass ich an der Internationalen Ausstellung für zeitgenössische Kunst teilnehmen werde, die vom 15. bis 17. November in Brüssel im Heysel Palais 1 stattfindet. Ich werde sie in der madrilenischen Galerie VAN GOGH Art Gallery ausstellen Wer hat 3 meiner Acrylbilder ausgewählt:
– Die Elster auf der Weide
– Rotes und weißes Quadrat
– Fenster aufs Herz
Parallel zu Ihren Arbeiten haben Sie nach einem üblichen Verfahren (Malen auf Leinwand) mit dem Malen am Computer begonnen Entspricht die Entwicklung des Malers in der Malerei der Entwicklung der Erwartungen des Publikums? Warum diese neue Richtung? Ist die Sinnlichkeit des Malpinsels ausgebreitet, vermissen Sie bei dieser Art der Farbbearbeitung nicht? Diese letzten beiden Fragen geben mir die Möglichkeit, die Frage zu beantworten: „Wie male ich? “ acryl oder digital?
Bei meinem Besuch der Ausstellung des Malers David Hockney in Beaubourg im Jahr 2017 habe ich das Bild auf dem iPad entdeckt und wollte seine Möglichkeiten testen. Es dauert eine gewisse Zeit, um sich an das Werkzeug anzupassen, insbesondere um die klassischen Gefühle des Malens im Internet zu betrauern, die es nicht mehr gibt. Es gibt auch die berühmten Stellen, die nicht mehr vom Himmel fallen. Wir haben nicht mehr das Gefühl von Raum, um eine leere Leinwand zu erobern und anzusprechen. Andererseits bietet die digitale Technik zunächst die Möglichkeit, eine absolut unbegrenzte Farbpalette mit sehr hellen Farben zu haben. Darüber hinaus ist die Möglichkeit, alle vorhandenen natürlichen Farben direkt umzusetzen, ein außerordentlicher Vorteil, da der klassische Maler oder die reine Farbe in diesem Fall einen notwendigerweise begrenzten Bereich aufweist oder verpflichtet ist, regelgemäße Farbmischungen vorzunehmen genau. Mit digital können wir Bilder untersuchen, die durch digitale Dateien existieren.
Wir können Fotomontagen machen. Zum Beispiel mache ich ein digitales Werk, dessen Titel „der Geist des Künstlers“ sein wird. Ich werde symbolisch den Künstler vertreten, der seine Arbeit total investiert. Dazu fotografiere ich den Bodenteppich, auf den einige Leinwände gemalt wurden. Auf diesem mit Malereien übersäten Teppich, Überresten zahlreicher Malereien, ist ein Paar Malerschuhe abgebildet. Dieses vergrößerte Foto im Großformat 130 * 162 ist auf ein hartes und steifes Material wie Aluminium oder auf eine Leinwand geklebt, die auf einem Chassis montiert ist. Wenn letzteres gut gemacht wird, kann es den Feind täuschen, wie es heißt 🙂 Dies sind unter anderem die lustigen und kreativen Fantasien, die die digitale Technologie ermöglicht. Ein weiterer Vorteil für den Amateur ist die Fähigkeit, die Arbeit in dem von ihm gewünschten Format zu erwerben: S, M, L oder XL. Wir können in limitierter Auflage auf 8 Exemplare arbeiten, was den Kaufpreis senkt. Wenn ich zum Beispiel außerhalb der Werkstatt bin oder zum Beispiel auf Reisen bin, ist das iPad perfekt, weil es Ihnen erlaubt, alle Farben der Welt mitzunehmen, viel mehr als in der reichsten Palette klassischer Maler . Die Hände sind immer sauber, das ist ein großer Vorteil 🙂 Auf der Ebene von „Faktura“, wie die Alten sagten, könnten einige das Fehlen einer Texturdarstellung bedauern. Tatsächlich werde ich bei meiner nächsten Ausstellung Art Shopping im kommenden Monat im Carrousel du Louvre die Reaktionen der Öffentlichkeit testen. Es wird eine Premiere sein! Aber auf jeden Fall würde ich die Leinwand für das iPad aufgeben und umgekehrt. Von nun an, von Leinwand zu iPad und von iPad zu Leinwand, bin ich, ich male.
Und hier in Farbe bewegen Sie sich zum Monochrom … Ist das ein neuer Schritt? Ah, das Monochrom? Ein Schritt?
Das würde ich so nicht sagen. Würde ich sagen eine Versuchung? eine Sackgasse? eine herausforderung? ein traum? ein immenser wunsch? Dies gibt mir die Möglichkeit zu antworten, „für wen zu malen? “ Wenn ich alleine auf der Welt wäre, meine ich ohne „andere“, würde ich nur Monochrome malen. Das Monochrom ist dieser Ozean von Blau oder Türkis oder Rot oder Weiß, unabhängig von der Farbe, weil ich sie alle liebe. Monochrom ist das Unendliche in der Reichweite des Menschen. Es ist Einheit Es ist eine Perfektion. Die Versuchung, nur Monochrome zu malen, ist groß, aber ich habe Angst vor dem Blick des anderen, der denkt, es sei „Foutage-Mund“. Aber für wen male ich?
– für mich ein rheologisches und visuelles Vergnügen zu erleben, um eine Farbe gleichmäßig auf einer riesigen weißen Leinwand zu verteilen?
– für den anderen, der mich beurteilt und der geht oder nicht, die Arbeit kauft und mir so die Befriedigung gibt, dass ich warte?
– Für meinen General? eine Sackgasse, weil eigentlich, was nach dem Monochrom zu malen?
Ich habe es erlebt: Nachdem ich mein letztes Monochrom von 1,80 mal 1,80 gemalt hatte, das eigentlich kein echtes Monochrom war, sondern eher Beigetöne, nenne ich dies „eine Unterbrechung“ Momentan des Programms. „Zügelte, dass ich keine persönlichen Überzeugungen war. Wiederaufnahme der Arbeit im Jahr 2015: Überquerung des Monochroms. Ich bedeckte dieselbe goldgelbe Leinwand und malte darauf das biblische Thema der Bundeslade. gefolgt von einer Reihe von monochromen Leinwänden, auf denen ein persönliches Schreiben nach Form suchte. „Ein diffuses Licht fordert seine Form zum Nichts“, taoistische Philosophie „Männer suchen Licht in einem zerbrechlichen Garten, in dem es viele Farben gibt“ Jean Tardieu
eine Herausforderung. Ich betrachte Monochrom als radikalste Eliminierung des Themas und mag diese Reflektion von Motherwell: „In jedem Werk gibt es einen doppelten Aspekt: eine formale oder strukturelle Seite und eine literarische Seite oder eine themenbezogene. Indem wir die zweite unterdrücken, sehen wir am ehesten die erste, indem wir eine abstrakte, universelle Sprache ans Licht bringen. “ ein immenser Wunsch. Mitte 2019 kaufe ich 7 große Leinwandrahmen aus dem schönsten Leinen. Ich male sie jeweils in den 7 Farben des Regenbogens. Ich verbringe einige Wochen damit, mich von ihrem jeweiligen Licht baden zu lassen. Die Versuchung ist wieder groß, sie so zu entlarven, wie sie sind. Die gleiche Frage kommt zurück „Warum malen? Aber diesmal nicht „warum malen statt nicht malen“, nein, ich habe diese Frage bereits beantwortet, um zu wissen „weil ich Maler bin und diese Kunst ein Prozess ist, der seit Anbeginn der Zeit existiert und so beteilige ich mich an diesem Prozess und diesem Prozess, weil ich ein Maler bin “ aber „warum malen Monochrome“ und die Antwort lautet: „Ich weiß nicht“ „Ich bin, ich male und Basta! “ Als Ergebnis der Rennen habe ich 6 dieser prächtigen Monochrome mit Flecken bedeckt, die vom Himmel gefallen waren und die wunderschöne Gemälde ergeben. Ich werde sehen, was ich im siebten machen werde, und ich denke, eines Tages, wenn ich von der Öffentlichkeit gesalbt worden bin, werde ich nur einfarbig malen. 🙂
Sie haben in dieser ersten Phase nicht aufgehört, weil man sich darauf geeinigt hat, das Gegenständliche zu nennen, das Sie im Abstrakten ausgeben, in Gemälden, deren Besonderheit immer die große Präsenz der Farben ist, die die Flucht ergreifen. Betrachter. Warum dieser Umhang in deinem Bild?
Ah, du redest auch über Cape! Und zum Glück redest du nicht über eine Kursänderung 🙂 denn für mich gibt es kein bildliches oder abstraktes Dilemma. Was ich versuche darzustellen, was ich denke, ist wesentlich für das, was ich sehe oder fühle es ist das „wofür“ mit anderen Worten. Ich male auf eine Weise, von der ich hoffe, dass sie sich auf den Betrachter auswirkt. Manchmal möchte ich figurativ sein, manchmal maximal abstrahieren. Das Abstrahieren kann manchmal eine Vereinfachung der Formen sein, ein Löschen eines Maximums an Details, das mir nicht wesentlich erscheint, oder manchmal ein vollständiges Entfernen der Formen, indem nur die Farbe verwendet wird. das abstrakte zu hause ist fast immer ein teil der natur (was ich sehe, was ich fühle, was ich bin) im gegensatz zu konstruktivisten oder zum beispiel mondrianern, die eine realität nach genau definierten beziehungen schaffen durch der Künstler und der kein äußeres Objekt hat. „Warum ich male“ könnte vielleicht durch eine innere Notwendigkeit in Verbindung mit einer äußeren Notwendigkeit definiert werden. Die innere Notwendigkeit ist eine verborgene Energie, die sich auf zufällige Weise offenbart und durch Punkte ausgedrückt wird. Oder die Punkte sind Formen, die vom Himmel fallen, und ich muss sie nur färben, anstatt sie zu erfinden. Wenn ich abstrahiere, ist der Zufall in Bezug auf die Linien wichtig. Gerade für Farben sind meine Entscheidungen wichtig. Man könnte sagen, dass die Linien oder Formen vom Himmel oder von meinem Unterbewusstsein fallen und die Farben vom Meer oder von der Erde aufsteigen, so dass mehr von meinem Willen und dieser Vereinigung als Schöpfung geboren wird.
Die abstrakte oder bildliche Frage ist also ein falsches Problem. Die wirkliche Herausforderung besteht darin, eine Arbeit zu schaffen, wie Bazaine sagte: „Wer ist inkarniert?“ Ob sich die Empfindung in einer unmittelbar erkennbaren Realität verkörpert oder in einer äquivalenten Realität verkörpert, gibt es nicht zwischen diesen beiden Prozessen der Schöpfung, der Differenz der Natur oder sogar des Grades. Das Schicksal der Welt spielt sich nicht zwischen dem Bildlichen oder Abstrakten ab, sondern zwischen dem Inkarnierten und dem Nicht-Inkarnierten, was sehr unterschiedlich ist. „Die Inkarnation ist diese Beziehung des Kontakts zwischen der äußeren und der inneren Welt, während körperlose Kunst die Kunst qualifiziert, die jeglichen Kontakt verloren hat. „In dieser Haltung der Inkarnation gegenüber der Welt und der Durchlässigkeit, den Formen, die wir erkennen und deshalb in uns sind. Es ist nicht die Natur, die wir erkennen, sondern eine Sensation, sondern wir selbst. “ Ich halte mich voll und ganz an diese Idee und verbinde auf diese Weise alle Maler, mit denen ich mich verbunden fühle: Matisse, de Staël, Bazaine und alle amerikanischen abstrakten Expressionisten bis hin zu den Malern der Pop Art. Tatsächlich ist jede Kunst insofern abstrakt, als es sich nicht um Natur handelt, sondern um eine Kontraktion der Natur. Jede künstlerische Kreation ist eine Kreation einer Innenwelt, die die Außenwelt umfasst. Schöpfung oder Abstraktion ist eine Art Empathie, ein Eintauchen in die Welt, um nur erkennbare Formen zu bewahren.
Norbert, du hast angefangen, Akte, meistens Frauenakte, mit Pinselstrichen in leuchtenden Farben zu malen. Dann sind Sie besonders an Landschaften interessiert, bei denen Sie einen Moment des Lichts oder des Gegenteils von Schatten, Alltagsgegenständen, Luftschlitzen, Türen oder einzelnen Gegenständen eingefangen haben, im Gegenteil, wie dies bei Deportierten der Fall war im Budapest Museum sogar Engel … Worauf führen Sie diese Entwicklung zurück?
Die Tatsache, dass ich in den drei Jahren meiner Ausbildung im Arts Déco Strasbourg den Körper von Frauen gemalt habe, hat mir das Gefühl gegeben, tief in mir selbst zu sein, Malerin. Mein Meister Franck Helmlinger hat mich nachdrücklich ermutigt, weiterzumachen und für sich zu stehen. Kurz darauf hatte ich die Gelegenheit, den Maler Roger Dale kennenzulernen, mit dem ich eine Weile am Outdoor-Landschaftsmotiv gearbeitet habe. Mit Roger und anderen Malern haben wir stundenlang über folgende Fragen nachgedacht: „Warum malen? Was malen? „Für wen malen? »,« Malen wie »,« was ist Stil? “ Dort stellst du mir die Frage nach dem sukzessiven „Was malen?“ “. Das erste Thema, das ich gewählt habe, war der Horizont. Dieses Thema berührt mich zutiefst irrational. Ich versuche zu verstehen.
– das Zusammentreffen von Himmel und Erde: Ja, es ist sehr stark diese Vorstellung des Zusammentreffens. dieser Begriff von „the entre“.
– der Himmel: ja sehr stark. Ich denke an Baudelaires Gedicht: „Wen magst du rätselhaften Menschen? … Ich mag die Wolken … die dort vorbeiziehen … die wunderbaren Wolken“. Ich habe meine ganze Jugend damit verbracht, die Metamorphosen der Wolken und ich zu beobachten der Eindruck, in meinem Gedächtnis alle Prozesse von Metamorphosen gespeichert zu haben, die ich wiederherstellen möchte.
– die Erde: nein. Es ist seltsam, absolute Dürre auf dieser Seite, die Erde interessiert mich nicht!
Ah, aber ich denke darüber nach, der Horizont ist auch das Zusammentreffen von Himmel und Meer!
– das Meer, ja, es ist eine enorme Wirkung des Meeres! Sie terrorisierte mich viele Jahre lang und rief den Albtraum des Erstickens und der Verschlingung hervor. Nachdem ich nun die Gelegenheit hatte, vor ihr zu leben, nahm ich mir die Zeit, einige Dämonen zu meistern. Mal ruhig, warm und einladend, mal aufgeregt, kalt und verstörend. Ich nutze ihre Momente der Ruhe, um sie zu besuchen, gewöhne mich allmählich an die prekären Situationen, die mich entdecken lassen, lerne damit umzugehen und entdecke mit ihr, dass Ruhe der beste Ratgeber ist und dass Panik eine tödliche Schöpfung ist des Geistes, dass es möglich ist, nach und nach zu meistern. Indem ich es wage, mich dorthin zu wagen, finde ich ruhige, angenehme Empfindungen und entdecke die Vereinigung von Loslassen und „auf Kurs bleiben“. “ Hier „Loslassen während des Kurses“, das könnte meine Definition des Malstils sein 🙂
um Ihre Frage zu beantworten: Worauf führen Sie diese Entwicklung zurück? Ich würde sagen, dass die verschiedenen Themen, die in meinem Bild aufeinander folgen, vielleicht die Folge eines Selbstvertrauens in mich sind, dass ich dieses Loslassen zulasse und malen möchte, was ich sehe. Ja, ich fühle mich wie ein Maler des Augenblicks. Ich male, was mich in völliger Freiheit berührt. Und es ist ein vollständiger Übergang mit der nächsten Frage, denn diese völlige Freiheit macht mir keine Sorgen über das „Was zu tun“ des Figurativen oder Abstrakten, des Dekorativen oder des Intellektuellen. Diese Freiheit, die Hélion „wie eine Leere“ empfinden konnte. Jeder Maler kämpft mit seinen eigenen Dämonen: Einige haben Angst, in die Falle des Dekorativen zu geraten (ein Bild zusammenstellen, während der Florist einen Blumenstrauß macht)
Ich freue mich, Ihnen mitteilen zu können, dass ich vom 18. bis 20. Oktober 2019 an der Ausstellung Art Shopping in Paris im Carrousel du Louvre (99 Rue de Rivoli) teilnehmen werde.
Aus diesem Anlass habe ich Einladungen zur Vernissage, die am 18. Oktober um 19 Uhr stattfindet. Wenn Sie interessiert sind, hinterlassen Sie mir eine Nachricht.
Vor fast einem Jahr auf den Tag genau habe ich einen kurzen Text geschrieben, um mich auf Facebook mit einem kartesischen Schlagwort vorzustellen, das besagt, dass ich diejenigen, die ich bin, bestrafe.
Heute bin ich gerne bereit, den Wortlaut durch einen anderen zu ersetzen: ICH MALE, ICH BIN.
Ich leugne nicht, was ich geschrieben habe, aber ich merke, dass ich mich verändert habe, indem ich nicht mehr Norbert bin, der sich entscheidet, zu malen, um zu existieren.
Es gibt Norbert, der malt, mit anderen Worten: für Norbert, zu malen, zu existieren, zu sein, sogar zu sein.
Es gibt kein Subjekt, das ein Objekt malt, oder eine innere Person, die ein Außen malt, sondern ein Wesen, das durch die Erfahrung der Schöpfung existiert.
Dieses phänomenologische Verständnis verdanke ich Martin Heidegger.
Zum Beispiel, um eine Landschaft nicht zu betrachten, sondern zu sehen.
Der Unterschied besteht darin, dass man, wenn man eine Landschaft sieht, gleichzeitig in ihr ist.
Malen ist kein Malen außerhalb von sich selbst: ein Objekt oder eine Idee, der man Form und Farbe geben will.
Beim Schaffen gibt es kein Äußeres und kein Inneres: Sein ist eins.
Wir sind nicht im Hier und Jetzt, wir sind das Hier und Jetzt, was Heidegger das Dasein nennt.
Dualität ist eine Schöpfung des Geistes, Realität ist ein einzigartiges Ganzes.
Welchen Unterschied macht es?
Wenn wir diese Veränderung erleben, fühlen wir uns mehr verantwortlich für das, was wir malen, weil wir sowohl der Maler als auch das Werk sind.
Hier zum Beispiel habe ich dir eine Tasse Yunnan d’Or Tee gemacht. Ein wahrer Genuss!
Es ist kein äußeres Objekt, das ich gemalt habe, sondern gleichzeitig der Ausdruck meiner Leidenschaft für diesen Tee, der Wunsch, diese Leidenschaft zu vermitteln und der Wunsch, etwas mit dir zu teilen.
Ich weiß nicht, warum der Tee heute, noch die Wahl der Farben, die Teeflecken neben der Tasse…..
Dabei spielt es keine Rolle, ob das Bild abstrakt, konkret oder gegenständlich ist.
Was ich weiß, ist, dass dieser Tee ein Genuss für Geschmacksnerven und Augen ist. Er hat einen leichten Kakaogeschmack und eine braune Farbe von seltener Intensität.
Die Wahrheit meines heutigen Seins ist einfach der Wunsch, diese Emotion in diesem Durchbruch, dieser Offenheit, dieser Schöpfung zu teilen.
Teil 2 von Auszügen aus Martin Heideggers Vortrag.
Das Kunstwerk steht immer in einer Beziehung zu etwas anderem und wird nicht von sich selbst erfasst: Es wird entweder als vom Künstler produziert oder als ein vom Kunstbetrieb betreutes Objekt betrachtet.
Aber ist es möglich, etwas von sich selbst zu verstehen, außerhalb jeder Beziehung? Denn Verständnis bleibt eine Form der Beziehung.
Zielt der Versuch, das Werk aus einer Beziehung zu extrahieren, nicht darauf ab, dem Wesen des Werkes selbst direkt zu begegnen?
Sicherlich, denn dann wird sich das Werk (offenbarsein) als Werk manifestieren.
Das Werk bedeutet das Manifestieren (Offenbarsein).
Die ganze Frage ist, was bedeutet diese Demonstration und Öffentlichkeit?
Damit ist der Ort gemeint, an dem die Arbeit „wirkt“, an dem sie geneigt ist, im Freien zu stehen. („ins Offene hinaussteht“).
Das ist nichts Greifbares, das erreicht werden kann, wie ein Brief seinen Empfänger erreicht.
Im Gegenteil, im manifesten Wesen des Werkes wird es vollständig erwirkt („erwirkt sich“), zum ersten Mal die Öffnung des Werkes.
Und wo diese Öffnung stattfindet, zerstört das Werk jede Beziehung.
Und gerade diese Fähigkeit zur Zerstörung ist das Maß für die Größe eines Kunstwerks.
Textfragmente aus einem Vortrag von Martin Heidegger mit dem Titel DIE HERKUNFT DES KUNSTWERKS
Es geht nicht darum, das Rätsel der Kunst zu lösen, sondern nur darum, es zu zeigen.
Der hier angesprochene „Ursprung“ lässt sich einfacher als „Ursache für die Anwesenheit von Kunstwerken“ zusammenfassen.
Das Wesen des Werkes wird bestimmt durch das, worin das Werk seine Grundlage findet.
Und nur dieser Hintergrund ist der Ursprung des Kunstwerks, das ist sein Wesen und seine Notwendigkeit.
Dieser Ursprung ist beim Künstler nicht zu finden.
Der Ursprung des Kunstwerks ist die Kunst.
Kunst ist es nicht, denn es gibt Werke;
aber im Gegenteil, nur durch und insofern, als Kunst geschieht, wird die Existenz von Werken notwendig gemacht.
Und was die Arbeit notwendig macht, ist der gleiche Hintergrund, der den Künstler möglich macht.
Auszüge aus dem Dialog Diotime – Sokrates des BANQUET de PLATON (205b) über die Auswirkungen der Liebe.
Welche Vorteile bringt die Liebe den Menschen?
Derjenige, der ein Liebhaber schöner Dinge ist, was liebt er?
Und was ist mit dem, der die guten Dinge zu seinen werden lässt?
Glaubst du, dass dieser Wunsch und diese Liebe allen Menschen gemeinsam ist und dass alle einen dauerhaften Besitz von guten Dingen wünschen?
Da dies so ist, warum, Sokrates, sagen wir ausgerechnet nicht, dass sie lieben? Ja, wenn es wahr ist, dass sie alle in die gleichen Dinge verliebt sind und immer verliebt? Warum im Gegenteil, warum sagen wir von manchen, dass sie verliebt sind, und sagen wir nicht von solchen anderen?
Auch ich bin nicht überrascht!
Nun,“ sagte sie, „du solltest nicht überrascht sein. Nachdem wir es getan haben, können Sie sehen, dass wir es, abgesehen von einer bestimmten Form der Liebe, Liebe nennen und ihr den Namen des Ganzen zuweisen; während wir bei den anderen Formen auf andere Konfessionen zurückgreifen.
Was ist vergleichbar? fragte ich.
Das ist es. Das ist es. Du weißt sehr wohl, was für eine Vielzahl von Bedeutungen die Idee der Schöpfung hat. Zweifellos ist die Ursache für den Übergang von der Nicht-Existenz zur Existenz auf jeden Fall eine Schöpfung.
-Du sagst die Wahrheit!
Sie wissen jedoch sehr wohl, fuhr sie fort, dass sie nicht als Schöpfer, sondern als Dichter bezeichnet werden.
Du hast Recht! Ich sagte.
Und jetzt ist es auch bei der Liebe so. Im Allgemeinen ist alles, was das Verlangen nach guten Dingen und Glück ist, das, was Liebe ist. Manchen, die sich in vielerlei Hinsicht an ihm orientieren, sei es im geschäftlichen Bereich oder in der Vorliebe, sei es für die Übungen des Körpers oder für die Kultur des Geistes, wird nicht gesagt, dass sie lieben, man nennt sie nicht Liebende, während andere, deren Handlungen, deren Eifer auf eine einzige Form ausgerichtet ist, den Namen von allen bewahren, lieben, man sagt ihnen, sie lieben, man nennt sie Liebende.
Es kann durchaus sein, sagte ich, dass du Recht hast!
Zweifellos, so fuhr sie fort, gibt es eine Lehre, nach der diejenigen, die die Hälfte von sich selbst suchen, diejenigen sind, die lieben. Meine eigene Lehre besagt, dass Liebe weder die Liebe einer Hälfte noch eines Ganzen ist, es sei denn, sie sind in irgendeiner Weise, Genosse, gerade eine gute Sache! Denn was jeder anstrebt, ist nicht, denke ich, was ihm gehört, es sei denn, es ist das Gute, das als rein und für sich selbst bezeichnet wird, sondern der Fremde, im Gegenteil, das Schlechte: beweise, dass nichts in Wahrheit, außer dem Guten, von den Menschen geliebt wird! Ist das deine Meinung zu ihnen?
Ja, von Zeus! Ich habe mir selbst geschrieben, aber ich habe keine andere!
Aber, fuhr sie fort, ist es so, als ob wir uns alle vereinen, dass wir über die Liebe der Menschen zu dem, was gut ist, sprechen?
Ja, sagte ich.
Was?“ sagte sie wieder? Sollten wir nicht hinzufügen, dass sie mögen, was gut ist, um ihnen zu gehören?
Es muss hinzugefügt werden.
Aber, sagte sie noch einmal, nicht nur, dass es ihnen gehören sollte, sondern dass es ihnen für immer gehören sollte?
Das ist es, was hinzugefügt werden muss.
Folglich ist das Objekt der Liebe im Großen und Ganzen der ewige Besitz des Guten.