Hantaï

“Die sechs ausgestellten Gemälde aus der Privatsammlung der Stiftung Gandur, die heute Partner des Museums ist, sind Teil des Schaffens des Künstlers zwischen 1951 und 1962.” Die Entwicklung der gemalten Leinwand ist bis heute deutlich zu erkennen “In den ersten Falten, die der Hauptausdruck von Simon Hantaï werden”, beschreibt Sylvain Amic, der Direktor der Réunion des musées métropolitains. Nach einer kurzen Pause mit den Surrealisten, die den Platz des Abstrakten in der Bewegung in Frage stellen, wird Simon Hantaï effektiv seine eigene Forschung für ein sehr gestisches Gemälde entwickeln, das dann immer mehr blind wird, indem es die natürlichen Falten des Leinwand. „Junge Maler haben dann auf ihn hingewiesen. Sie sprachen darüber als ihr spiritueller Meister, wie Buren “, sagte Daniel Hantai, der Sohn des Künstlers, der zur Einweihung anwesend war. ”  

In Bezug auf Hantai kann ich nur empfehlen, das Kapitel von Daniel Sibony Psychoanalyst zu lesen: “Die Kerben des anderen Lichts” in seinem Buch FANTASMS OF ARTISTS, aus dem ich einige Auszüge liefere.

“Du präsentierst dich im Leben auf eine klare und unschuldige Weise, wie eine große weiße Leinwand, und das Zusammentreffen des anderen oder des Ereignisses zerknittert dich … dann wirst du abgeflacht, nicht zerquetscht, sondern mehr oder weniger hineingelegt flach; dann bist du verschiedenen Lichtern ausgesetzt … Schließlich, nach einer gewissen Zeit, beginnt man sich aufzurichten, sich zu entfalten, sich zu entfalten, als ob unter dem Einfluss der Belastbarkeit ein Ruf zum Leben; Wenn Sie das Feld von Hantaï betreten, sehen Sie eines seiner Werke. ”

“Sich in seinem Bruch zu behaupten, ist eines der Geheimnisse des Menschen. Die meisten behaupten sich gegen sich selbst, selten für sich, andere ignorieren, dass sie gebrochen sind, es ist die Spaltung. Hier ist es eine leuchtende Bestätigung nicht von sich selbst, sondern von einem Selbst im Dialog mit seinem anderen; der andere ist der Verdrängte, der zurückkehrt, der aber weiß ist: seine Existenz genügt, und vor allem seine Rückkehr, die den Rest trägt und ihn strahlender macht. ”

“Es ist klar, dass es sich zwischen dem Falten und Entfalten um eine große Wechselwirkung handelt, eine dynamische und subtile Zwischensequenz, die uns an das Leben erinnert. Zwischen den Weißen der Unterdrückten, die zurückkehren, und den farbigen Formen ist das dritte, was auffällt, das Werk selbst, die Leinwand. ”

“Hantaï vergleicht sich mit Rothko im Impuls des Prozesses: das Licht des Seins oder das Sein des Lichts in Schönheit zum Platzen zu bringen. “

“Kehren wir zur Fantasie von Hantai zurück. In einem Film über ihn erklärt er die Faszination seiner Kindheit für die Schürzen seiner Mutter für ihre Metamorphose, wenn sie gewaschen und gebügelt werden. Und er zitiert seine Mutter und sagt: “Wenn es gut gemacht ist, Arbeit, kannst du die Schürze nehmen, du siehst dich an, du siehst dich wie in einem Spiegel. Also hätte er die “Outfits” seiner Mutter gefaltet und entfaltet? seine Kleidung, seine Gewohnheiten oder seine Falten? Das kann jetzt zu Analysten sprechen. Ist Weiß der verborgene Teil der Mutter, ihre Nacktheit? Wer kehrt in Kraft zurück, um den wesentlichen Dialog mit dem Licht zu führen? Das bringt uns seiner Fantasie ein Stück näher. Schon die Hauptgeste seines Gemäldes, die Leinwand vor dem Malen zu falten, bedeutet: die Existenz des Verdrängten auszuleben. Es ist ein Weg, die Existenz des Verbotenen zu respektieren: Er verzichtet darauf sehen Sie Teile der Leinwand, Teile, die versteckt und dann plötzlich enthüllt werden, wenn der Maler, der unter der Leinwand wie in einem Zelt oder als Kind unter dem Rock einer kosmischen Mutter vorbeikommt, herauskommt, um besser zu sehen, mit uns, das Wunder der Verdrängten, das sogar sichtbar ist. Diesen weißen Mann, der zurückkommt, um das Ganze zu strukturieren, haben wir als die Nacktheit der Mutter wahrgenommen. Es ist schwer, nicht an Ödipus zu denken, der sich blind macht, diese verborgenen Teile der Mutter gesehen und sogar genossen zu haben. Der Künstler greift tapfer den “gefalteten Stapel” an, um als Sieger aus der Prüfung hervorzugehen. “

Art Shopping Bilanz

bilan art shopping

Vom 18. bis 20. Oktober 2019 hatte ich erstmals die Gelegenheit, an der Ausstellung Art Shopping im Carrousel du Louvre teilzunehmen. Dieses Treffen, das der digitalen Kunst gewidmet ist, war aus mehr als einem Grund eine bereichernde Erfahrung.

Ursprünglich war diese Ausstellung ein “Test” für meine Arbeit in Digital. Ich hatte viele Besuche und positive Rückmeldungen, insbesondere von Fachleuten: “Ihr Gemälde sticht durch seine sehr persönliche Note hervor”, “Ihr Gemälde ist in seiner Zeit und sehr modern”, “ist ein modernes Gemälde und Pop “,” Sie gehen auf das Wesentliche durch Ihren Minimalismus “,” die Farben sind schön “.

Die Ausstellung erlaubte es mir auch, von drei Galerien entdeckt zu werden: eine Mailänder Galerie, eine andere Galerie, die eine meiner “Aktlandschaften” im Spectrum in Miami ausstellen wollte und schließlich eine Pariser Galerie, die ich treffen werde Anfang November!

Es war auch eine Gelegenheit für mich, neue Leute kennenzulernen und mich mit anderen Malern anzufreunden. Es gab eine große Solidarität zwischen uns, besonders während der etwas sportlichen Momente des Hängens und Abwürgens.

Es wurden drei Werke verkauft: zwei Kleinformate (“Cinderella” und “Honey Moon”) und ein sehr großes Format (“Achievements at the height of emptiness 1”).

Abschließend habe ich gesehen, dass digitale Kunst erfreulich ist. Und das gefällt auch meinem PopArt-Stil, der mit der Nutzung des IPads einherging. Ich gebe Ihnen daher nächstes Jahr einen Termin, da die Reservierung bereits erfolgt ist, diesmal jedoch mit einem größeren Stand!

Eine “Nu-Landschaft” in Miami

nu paysage

Ich freue mich sehr, Ihnen mitteilen zu können, dass das unten abgebildete “Nu-paysage” von einem Kunstkurator während der Art Shopping-Ausstellung im Carrousel du Louvre entdeckt und im Spectrum in Miami ausgestellt wurde. Eine große Ausstellung zeitgenössischer Kunst, die vom 4. bis 8. Dezember stattfindet. Im Moment spreche ich mit dir, die Arbeit ist schon auf dem Boot in Richtung USA 🙂

Ich werde bei Art3F Brüssel sein

ART3F

Ich freue mich, Ihnen mitteilen zu können, dass ich an der Internationalen Ausstellung für zeitgenössische Kunst teilnehmen werde, die vom 15. bis 17. November in Brüssel im Heysel Palais 1 stattfindet. Ich werde sie in der madrilenischen Galerie VAN GOGH Art Gallery ausstellen Wer hat 3 meiner Acrylbilder ausgewählt:
– Die Elster auf der Weide
– Rotes und weißes Quadrat
– Fenster aufs Herz

Interview mit Norbert Engel (Teil 4)

Parallel zu Ihren Arbeiten haben Sie nach einem üblichen Verfahren (Malen auf Leinwand) mit dem Malen am Computer begonnen Entspricht die Entwicklung des Malers in der Malerei der Entwicklung der Erwartungen des Publikums? Warum diese neue Richtung? Ist die Sinnlichkeit des Malpinsels ausgebreitet, vermissen Sie bei dieser Art der Farbbearbeitung nicht? Diese letzten beiden Fragen geben mir die Möglichkeit, die Frage zu beantworten: “Wie male ich? ” acryl oder digital?

Bei meinem Besuch der Ausstellung des Malers David Hockney in Beaubourg im Jahr 2017 habe ich das Bild auf dem iPad entdeckt und wollte seine Möglichkeiten testen. Es dauert eine gewisse Zeit, um sich an das Werkzeug anzupassen, insbesondere um die klassischen Gefühle des Malens im Internet zu betrauern, die es nicht mehr gibt. Es gibt auch die berühmten Stellen, die nicht mehr vom Himmel fallen. Wir haben nicht mehr das Gefühl von Raum, um eine leere Leinwand zu erobern und anzusprechen. Andererseits bietet die digitale Technik zunächst die Möglichkeit, eine absolut unbegrenzte Farbpalette mit sehr hellen Farben zu haben. Darüber hinaus ist die Möglichkeit, alle vorhandenen natürlichen Farben direkt umzusetzen, ein außerordentlicher Vorteil, da der klassische Maler oder die reine Farbe in diesem Fall einen notwendigerweise begrenzten Bereich aufweist oder verpflichtet ist, regelgemäße Farbmischungen vorzunehmen genau. Mit digital können wir Bilder untersuchen, die durch digitale Dateien existieren.

Wir können Fotomontagen machen. Zum Beispiel mache ich ein digitales Werk, dessen Titel “der Geist des Künstlers” sein wird. Ich werde symbolisch den Künstler vertreten, der seine Arbeit total investiert. Dazu fotografiere ich den Bodenteppich, auf den einige Leinwände gemalt wurden. Auf diesem mit Malereien übersäten Teppich, Überresten zahlreicher Malereien, ist ein Paar Malerschuhe abgebildet. Dieses vergrößerte Foto im Großformat 130 * 162 ist auf ein hartes und steifes Material wie Aluminium oder auf eine Leinwand geklebt, die auf einem Chassis montiert ist. Wenn letzteres gut gemacht wird, kann es den Feind täuschen, wie es heißt 🙂 Dies sind unter anderem die lustigen und kreativen Fantasien, die die digitale Technologie ermöglicht. Ein weiterer Vorteil für den Amateur ist die Fähigkeit, die Arbeit in dem von ihm gewünschten Format zu erwerben: S, M, L oder XL. Wir können in limitierter Auflage auf 8 Exemplare arbeiten, was den Kaufpreis senkt. Wenn ich zum Beispiel außerhalb der Werkstatt bin oder zum Beispiel auf Reisen bin, ist das iPad perfekt, weil es Ihnen erlaubt, alle Farben der Welt mitzunehmen, viel mehr als in der reichsten Palette klassischer Maler . Die Hände sind immer sauber, das ist ein großer Vorteil 🙂   Auf der Ebene von “Faktura”, wie die Alten sagten, könnten einige das Fehlen einer Texturdarstellung bedauern. Tatsächlich werde ich bei meiner nächsten Ausstellung Art Shopping im kommenden Monat im Carrousel du Louvre die Reaktionen der Öffentlichkeit testen. Es wird eine Premiere sein! Aber auf jeden Fall würde ich die Leinwand für das iPad aufgeben und umgekehrt. Von nun an, von Leinwand zu iPad und von iPad zu Leinwand, bin ich, ich male.

Interview mit Norbert Engel (Teil 3)

Und hier in Farbe bewegen Sie sich zum Monochrom … Ist das ein neuer Schritt? Ah, das Monochrom? Ein Schritt?

Das würde ich so nicht sagen. Würde ich sagen eine Versuchung? eine Sackgasse? eine herausforderung? ein traum? ein immenser wunsch? Dies gibt mir die Möglichkeit zu antworten, “für wen zu malen? ” Wenn ich alleine auf der Welt wäre, meine ich ohne “andere”, würde ich nur Monochrome malen. Das Monochrom ist dieser Ozean von Blau oder Türkis oder Rot oder Weiß, unabhängig von der Farbe, weil ich sie alle liebe. Monochrom ist das Unendliche in der Reichweite des Menschen. Es ist Einheit Es ist eine Perfektion. Die Versuchung, nur Monochrome zu malen, ist groß, aber ich habe Angst vor dem Blick des anderen, der denkt, es sei “Foutage-Mund”. Aber für wen male ich?

– für mich ein rheologisches und visuelles Vergnügen zu erleben, um eine Farbe gleichmäßig auf einer riesigen weißen Leinwand zu verteilen?

– für den anderen, der mich beurteilt und der geht oder nicht, die Arbeit kauft und mir so die Befriedigung gibt, dass ich warte?

– Für meinen General? eine Sackgasse, weil eigentlich, was nach dem Monochrom zu malen?

Ich habe es erlebt: Nachdem ich mein letztes Monochrom von 1,80 mal 1,80 gemalt hatte, das eigentlich kein echtes Monochrom war, sondern eher Beigetöne, nenne ich dies “eine Unterbrechung” Momentan des Programms. “Zügelte, dass ich keine persönlichen Überzeugungen war. Wiederaufnahme der Arbeit im Jahr 2015: Überquerung des Monochroms. Ich bedeckte dieselbe goldgelbe Leinwand und malte darauf das biblische Thema der Bundeslade. gefolgt von einer Reihe von monochromen Leinwänden, auf denen ein persönliches Schreiben nach Form suchte. “Ein diffuses Licht fordert seine Form zum Nichts”, taoistische Philosophie “Männer suchen Licht in einem zerbrechlichen Garten, in dem es viele Farben gibt” Jean Tardieu

eine Herausforderung. Ich betrachte Monochrom als radikalste Eliminierung des Themas und mag diese Reflektion von Motherwell: “In jedem Werk gibt es einen doppelten Aspekt: ​​eine formale oder strukturelle Seite und eine literarische Seite oder eine themenbezogene. Indem wir die zweite unterdrücken, sehen wir am ehesten die erste, indem wir eine abstrakte, universelle Sprache ans Licht bringen. ” ein immenser Wunsch. Mitte 2019 kaufe ich 7 große Leinwandrahmen aus dem schönsten Leinen. Ich male sie jeweils in den 7 Farben des Regenbogens. Ich verbringe einige Wochen damit, mich von ihrem jeweiligen Licht baden zu lassen. Die Versuchung ist wieder groß, sie so zu entlarven, wie sie sind. Die gleiche Frage kommt zurück “Warum malen? Aber diesmal nicht “warum malen statt nicht malen”, nein, ich habe diese Frage bereits beantwortet, um zu wissen “weil ich Maler bin und diese Kunst ein Prozess ist, der seit Anbeginn der Zeit existiert und so beteilige ich mich an diesem Prozess und diesem Prozess, weil ich ein Maler bin ” aber “warum malen Monochrome” und die Antwort lautet: “Ich weiß nicht” “Ich bin, ich male und Basta! ” Als Ergebnis der Rennen habe ich 6 dieser prächtigen Monochrome mit Flecken bedeckt, die vom Himmel gefallen waren und die wunderschöne Gemälde ergeben. Ich werde sehen, was ich im siebten machen werde, und ich denke, eines Tages, wenn ich von der Öffentlichkeit gesalbt worden bin, werde ich nur einfarbig malen. 🙂

Interview mit Norbert Engel (Teil 2)

Peinture numérique abstraite

Sie haben in dieser ersten Phase nicht aufgehört, weil man sich darauf geeinigt hat, das Gegenständliche zu nennen, das Sie im Abstrakten ausgeben, in Gemälden, deren Besonderheit immer die große Präsenz der Farben ist, die die Flucht ergreifen. Betrachter. Warum dieser Umhang in deinem Bild?

Ah, du redest auch über Cape! Und zum Glück redest du nicht über eine Kursänderung 🙂 denn für mich gibt es kein bildliches oder abstraktes Dilemma. Was ich versuche darzustellen, was ich denke, ist wesentlich für das, was ich sehe oder fühle es ist das “wofür” mit anderen Worten. Ich male auf eine Weise, von der ich hoffe, dass sie sich auf den Betrachter auswirkt. Manchmal möchte ich figurativ sein, manchmal maximal abstrahieren. Das Abstrahieren kann manchmal eine Vereinfachung der Formen sein, ein Löschen eines Maximums an Details, das mir nicht wesentlich erscheint, oder manchmal ein vollständiges Entfernen der Formen, indem nur die Farbe verwendet wird. das abstrakte zu hause ist fast immer ein teil der natur (was ich sehe, was ich fühle, was ich bin) im gegensatz zu konstruktivisten oder zum beispiel mondrianern, die eine realität nach genau definierten beziehungen schaffen durch der Künstler und der kein äußeres Objekt hat. “Warum ich male” könnte vielleicht durch eine innere Notwendigkeit in Verbindung mit einer äußeren Notwendigkeit definiert werden. Die innere Notwendigkeit ist eine verborgene Energie, die sich auf zufällige Weise offenbart und durch Punkte ausgedrückt wird. Oder die Punkte sind Formen, die vom Himmel fallen, und ich muss sie nur färben, anstatt sie zu erfinden. Wenn ich abstrahiere, ist der Zufall in Bezug auf die Linien wichtig. Gerade für Farben sind meine Entscheidungen wichtig. Man könnte sagen, dass die Linien oder Formen vom Himmel oder von meinem Unterbewusstsein fallen und die Farben vom Meer oder von der Erde aufsteigen, so dass mehr von meinem Willen und dieser Vereinigung als Schöpfung geboren wird.

Die abstrakte oder bildliche Frage ist also ein falsches Problem. Die wirkliche Herausforderung besteht darin, eine Arbeit zu schaffen, wie Bazaine sagte: “Wer ist inkarniert?” Ob sich die Empfindung in einer unmittelbar erkennbaren Realität verkörpert oder in einer äquivalenten Realität verkörpert, gibt es nicht zwischen diesen beiden Prozessen der Schöpfung, der Differenz der Natur oder sogar des Grades. Das Schicksal der Welt spielt sich nicht zwischen dem Bildlichen oder Abstrakten ab, sondern zwischen dem Inkarnierten und dem Nicht-Inkarnierten, was sehr unterschiedlich ist. “Die Inkarnation ist diese Beziehung des Kontakts zwischen der äußeren und der inneren Welt, während körperlose Kunst die Kunst qualifiziert, die jeglichen Kontakt verloren hat. “In dieser Haltung der Inkarnation gegenüber der Welt und der Durchlässigkeit, den Formen, die wir erkennen und deshalb in uns sind. Es ist nicht die Natur, die wir erkennen, sondern eine Sensation, sondern wir selbst. ” Ich halte mich voll und ganz an diese Idee und verbinde auf diese Weise alle Maler, mit denen ich mich verbunden fühle: Matisse, de Staël, Bazaine und alle amerikanischen abstrakten Expressionisten bis hin zu den Malern der Pop Art. Tatsächlich ist jede Kunst insofern abstrakt, als es sich nicht um Natur handelt, sondern um eine Kontraktion der Natur. Jede künstlerische Kreation ist eine Kreation einer Innenwelt, die die Außenwelt umfasst. Schöpfung oder Abstraktion ist eine Art Empathie, ein Eintauchen in die Welt, um nur erkennbare Formen zu bewahren.

Kunst-Shopping-Ausstellung

art shopping

Ich freue mich, Ihnen mitteilen zu können, dass ich vom 18. bis 20. Oktober 2019 an der Ausstellung Art Shopping in Paris im Carrousel du Louvre (99 Rue de Rivoli) teilnehmen werde.

Aus diesem Anlass habe ich Einladungen zur Vernissage, die am 18. Oktober um 19 Uhr stattfindet. Wenn Sie interessiert sind, hinterlassen Sie mir eine Nachricht.

Ich Male Ich Bin

je peins je suis

Vor fast einem Jahr auf den Tag genau habe ich einen kurzen Text geschrieben, um mich auf Facebook mit einem kartesischen Schlagwort vorzustellen, das besagt, dass ich diejenigen, die ich bin, bestrafe.

Heute bin ich gerne bereit, den Wortlaut durch einen anderen zu ersetzen: ICH MALE, ICH BIN.

Ich leugne nicht, was ich geschrieben habe, aber ich merke, dass ich mich verändert habe, indem ich nicht mehr Norbert bin, der sich entscheidet, zu malen, um zu existieren.

Es gibt Norbert, der malt, mit anderen Worten: für Norbert, zu malen, zu existieren, zu sein, sogar zu sein.

Es gibt kein Subjekt, das ein Objekt malt, oder eine innere Person, die ein Außen malt, sondern ein Wesen, das durch die Erfahrung der Schöpfung existiert.

Dieses phänomenologische Verständnis verdanke ich Martin Heidegger.

Zum Beispiel, um eine Landschaft nicht zu betrachten, sondern zu sehen.
Der Unterschied besteht darin, dass man, wenn man eine Landschaft sieht, gleichzeitig in ihr ist.
Malen ist kein Malen außerhalb von sich selbst: ein Objekt oder eine Idee, der man Form und Farbe geben will.
Beim Schaffen gibt es kein Äußeres und kein Inneres: Sein ist eins.
Wir sind nicht im Hier und Jetzt, wir sind das Hier und Jetzt, was Heidegger das Dasein nennt.
Dualität ist eine Schöpfung des Geistes, Realität ist ein einzigartiges Ganzes.

Welchen Unterschied macht es?
Wenn wir diese Veränderung erleben, fühlen wir uns mehr verantwortlich für das, was wir malen, weil wir sowohl der Maler als auch das Werk sind.

Hier zum Beispiel habe ich dir eine Tasse Yunnan d’Or Tee gemacht. Ein wahrer Genuss!

Es ist kein äußeres Objekt, das ich gemalt habe, sondern gleichzeitig der Ausdruck meiner Leidenschaft für diesen Tee, der Wunsch, diese Leidenschaft zu vermitteln und der Wunsch, etwas mit dir zu teilen.

Ich weiß nicht, warum der Tee heute, noch die Wahl der Farben, die Teeflecken neben der Tasse…..

Dabei spielt es keine Rolle, ob das Bild abstrakt, konkret oder gegenständlich ist.

Was ich weiß, ist, dass dieser Tee ein Genuss für Geschmacksnerven und Augen ist. Er hat einen leichten Kakaogeschmack und eine braune Farbe von seltener Intensität.

Die Wahrheit meines heutigen Seins ist einfach der Wunsch, diese Emotion in diesem Durchbruch, dieser Offenheit, dieser Schöpfung zu teilen.

Das Kunstwerk als Kunstwerk

origine de l'eouvre d'art

Teil 2 von Auszügen aus Martin Heideggers Vortrag.

Das Kunstwerk steht immer in einer Beziehung zu etwas anderem und wird nicht von sich selbst erfasst: Es wird entweder als vom Künstler produziert oder als ein vom Kunstbetrieb betreutes Objekt betrachtet.

Aber ist es möglich, etwas von sich selbst zu verstehen, außerhalb jeder Beziehung? Denn Verständnis bleibt eine Form der Beziehung.

Zielt der Versuch, das Werk aus einer Beziehung zu extrahieren, nicht darauf ab, dem Wesen des Werkes selbst direkt zu begegnen?

Sicherlich, denn dann wird sich das Werk (offenbarsein) als Werk manifestieren.

Das Werk bedeutet das Manifestieren (Offenbarsein).

Die ganze Frage ist, was bedeutet diese Demonstration und Öffentlichkeit?

Damit ist der Ort gemeint, an dem die Arbeit “wirkt”, an dem sie geneigt ist, im Freien zu stehen. (“ins Offene hinaussteht”).

Das ist nichts Greifbares, das erreicht werden kann, wie ein Brief seinen Empfänger erreicht.

Im Gegenteil, im manifesten Wesen des Werkes wird es vollständig erwirkt (“erwirkt sich”), zum ersten Mal die Öffnung des Werkes.

Und wo diese Öffnung stattfindet, zerstört das Werk jede Beziehung.

Und gerade diese Fähigkeit zur Zerstörung ist das Maß für die Größe eines Kunstwerks.